Catégorie : Cannes 2012

« Quelques heures de Printemps »… avant la délivrance

Posted on by Clap 8 - Paris VIII Compte Général

C’est parfois difficile de parler aux gens que l’on aime. Difficile de faire le point sur les bonnes et mauvaises actions de sa vie, et de savoir que, de toute façon, on ne peut pas revenir en arrière. « Quelques heures de Printemps » est l’histoire d’une relation mère-fils dont on ne connait pas le passé mais qui est chargé, on le devine. Chacun chargé d’un fardeau et après plusieurs mois, ils se retrouvent : Yvette (Hélène Vincent) a un cancer, et a décidé de planifier sa mort. Alain (Vincent Lindon), le fils tout juste sorti de prison, retourne vivre chez sa mère pour tenter de se reconstruire.

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Le loup dort derrière les repas silencieux, les regards qui s’évitent, les banalités du quotidien. Entre la mère et le fils, il y a un volcan qui menace à chaque seconde de s’activer. Ce qui les rassemblent : le chien d’Yvette, et son voisin Monsieur Lalouette (Olivier Perrier), deux êtres aimés par la mère et le fils. Vincent Lindon, c’est ce grand cœur qui souffre. Seule alternative : l’agressivité, les mots durs qui achèvent sa mère, elle qui ne saura jamais lui parler d’autre chose que de son manque de savoir-vivre et ses erreurs du passé. Alain ne sait pas parler non plus. Derrière leurs « caractères de con », la conscience d’avoir échouer.  Alors Alain se contentera d’accompagner sa mère au bout de la vie, parce que c’est déjà ça. Elle ne lui demande pas mais n’attend que ça. Il aura toujours ce regard triste, ni aimant, ni haineux, juste résigné. Ce n’est certainement pas lui qui pèsera sur les choix de vie de sa mère, il n’essaie même pas. Il sait juste qu’il doit être là. Non pas parce qu’il comprend, ou parce qu’il a oublié le passé, mais juste parce que c’est sa mère, et qu’il l’aime, incontestablement, tout comme elle l’aime. Le passé, aucun flash-back pathos et boiteux ne le fera découvrir  au spectateur. On ne rejoue pas les malheureux épisodes d’une vie de famille, on n’essaie pas de trouver des excuses. Stéphane Brizé a choisi le moment d’une vie, celui qui n’efface pas les blessures mais qui compte plus que tout à cet instant précis.

« Jusqu’à la dernière minute vous pouvez changer d’avis »

« Quelques heures de Printemps », c’est aussi un positionnement très affirmé sur l’euthanasie. Hélène doit aller en Suisse pour pouvoir mourir. Les personnes qui l’accompagnent dans sa démarche lui demandent à nouveau ses « motivations », la questionnent sur ses croyances, tentent d’ouvrir la brèche qui lui fera faire marche arrière : « Jusqu’à la dernière minute, vous pouvez changer d’avis » lui précise-t-on.  Mais si les sanglots d’Hélène traversent les murs de la chambre de son fils, elle est sûre de ses choix. Les magnifiques montagnes suisses sous l’œil de Stéphane Brizé, Vincent Lindon conduit alors sa mère vers la mort qui a belle allure. Ce n’est que dans les dernières secondes que mère et fils tomberont dans les bras l’un de l’autre pour une étreinte faite de tremblements et d’un ultime message d’amour. Le premier et le dernier.

Vieux

La population est vieillissante. On ne l’entend que trop. Il y a là pour les cinéastes une source d’inspiration qui a été largement récompensée à Cannes : « Quelques heures de Printemps » n’est en effet pas sans nous rappeler « Amour », la palme d’or 2012. Michael Haneke abordait les thèmes de la vieillesse et de la mort, avec des plans d’une simplicité déconcertante, ceux qui montrent la vie, et l’amour. Devant le film de Stéphane Brizé, armez-vous de mouchoirs et prenez cette claque déconcertante. Saluez le jeu si juste de Vincent Lindon et d’Hélène Vincent. L’acoustique parfaite des non-dits, de cet on-ne-sait-quoi qui brise la gorge et empêche l’amour de s’exprimer. Et dans un peu moins d’un mois, si vous avez aimé « Quelques heures de Printemps », ne manquez « Amour » sous aucun prétexte.

Broken, devenir Adulte

Posted on by Clap 8 - Paris VIII Compte Général

Il faisait partie de la Semaine de la Critique au Festival de Cannes. Une sélection parallèle qui révèle chaque année quelques chefs-d’oeuvre. Malheureux étudiants que nous sommes, à Cannes nous avons du faire des choix et l’impasse sur certains films. Broken, de Rufus Norris, fait partie de ceux que nous n’aurons pas eu la chance de voir en avant-première mais qui mérite largement une place de choix sur Clap 8 ! Séance de rattrapage.

Cassure d’enfance

La perte d’innocence : on a beau tenter le passage en douceur, c’est parfois brutal et traumatisant. Souvent ce n’est pas un moment, mais une langueur faite «de moments tristes et de moments heureux » comme le père avocat, Archie, imagine la vie de sa fille d’une dizaine d’années, Skunk. Broken, c’est cette cassure entre enfance et brutalité du monde Adulte. La perte d’innocence d’une gamine de banlieue, Skunk Cunningham (Eloïse Laurence) qui va devoir faire face au tourbillon infernal de la vie. C’est est une enfant constamment étonnée et étonnante. Ni jolie, ni laide, un peu garçonne mais pas tant que ça. Une gamine intelligente, vivante, drôle, joueuse, avec pour seules contraintes de vie son diabète et un père relativement absent, mais très aimant. Sa plus grande crainte est encore la rentrée en classe de 6e et sa plus grande tristesse celle de ne plus pouvoir tutoyer son ami (Cillian Murphy), compagnon de sa nourrice à la fois mère et amie, devenu son professeur. Mais elle va vite tourner cette relation en jeu, seul moyen de contourner les vexations : si elle doit se plier aux règles du vouvoiement alors il faudra qu’elle aussi devienne  «Mademoiselle Cunningham», et non « Skunk » dorénavant ! La stratégie bien rôdée lui donnera le sourire, mais c’est tout. Parce qu’à 10 ans, on ne maîtrise rien. Jeux et bienveillance vont bientôt laisser place à des violences en chaîne, un tourbillon infernal engagé par un triste dérapage. La malsaine surprotection d’un père envers sa fille va entrainer une fausse accusation de viol, trois vies détruites et Skunk un pied dehors, un pied dedans, comme observateur fragile de la déchéance de son quartier. Elle n’est jamais au centre des violences mais toujours assez proche pour se sentir concernée. Jusqu’à ce qu’elle soit fatalement prise pour cible, elle aussi.

Comment lutter ?

Tim Roth embrasse le rôle d’Archie, le père de Skunk, irréprochable père de famille, ce qui ne donne que davantage de crédit à la thématique abordée par Rufus Norris. Comment prévenir la naturelle perte d’innocence ? Comment être honnête et protéger à la fois ? Faut-il inventer une explication logique à une suite d’évènements qui n’en n’a aucune, juste pour rassurer ? Relation fraternelle, amourette, décharge automobile et «repaire» sur terrain vague seront les refuges de Skunk. Mais bientôt, la réalité finira par tout lui dérober, même ces bouts d’amour et de divertissement. Elle contemplera incrédule un chemin pauvre, miteux, glauque au bout duquel elle devra faire un choix : le courage de la conscience ou la fuite. Eclairages et lieux de tournage donnent au film sa couleur de miel et sa dimension pop servie par une musique splendide, signée Damon Albarn, fondateur des groupes Blur et Gorillaz. Broken, c’est un petit bijou sensible et terriblement révélateur de la Vie qu’il faut s’empresser de découvrir.

 

« The We and the I » Gondry le retour !

Posted on by Clap 8 - Paris VIII Compte Général

« The We and the I », le nouveau Gondry !

 

C’est un peu l’ovni dans la filmographie de Gondry.

On pourrait croire que Cannes cette année avait un mot d’ordre : le road-movie.

Faut croire que le tournage dans un habitacle est à la mode.

C’est un film dérangeant qui peut plaire ou non.

 

Je m’explique, Gondry est unique dans son genre, sa poésie est unique et reconnaissable pourtant il y a quelque chose dans ce film qui est complètement diffèrent de la marque de fabrique de Gondry.

 

Film d’ouverture de la Quinzaine des réalisateurs et dernier film projeter en avant-première du festival Paris cinéma. « The We and the I » arrive et chamboule tout.

Le film se passe dans un bus dans le Bronx, c’est une bande d’ado qui rentre chez eux, c’est le dernier jour avant les grandes vacances, c’est donc l’effervescence dans le bus.

Pour ma part je pense qu’il aurait été plus pertinent en court métrage.  Au début du film on prend connaissance de l’ensemble des passagers, un certain malaise se crée et on en arrive à  détester les personnages. Plus le film continue, plus on à envie qu’il arrive au générique et pourtant on reste scotché. Les personnages se livrent difficilement, le spectateur se doit de faire un effort pour comprendre. Mais c’est un film qui porte à l’âme et puis, Gondry ne fait jamais dans la facilité.

Si vous voulez recevoir une claque, allez y mais armez-vous de patience car il en faut.

 

Pour l’anecdote lors de l’avant-première du film au festival Paris cinéma le réalisateur devait venir à la fin de la projection pour un débat avec le public mais il n’a pu venir car le tournage de « l’écume de nos jours » a duré un peu plus longtemps que prévu. Le producteur du film a donc fait avec les moyens du bord à la manière du réalisateur et le débat a pu se faire grâce à un IPhone et un micro. Comme quoi tout est possible.

 

 

Michel Gondry : «Au sein d’un groupe, les valeurs changent»

 

Hélène VAUTIER

Après Cannes voila Paris

Posted on by Clap 8 - Paris VIII Compte Général

 

La différence entre le festival de Cannes et le festival Paris cinéma : c’est le partage.

 

Le festival Paris cinéma est un événement qui certes n’a pas autant d’ampleur que Cannes mais qui rassemble quand même beaucoup de monde depuis maintenant 10 ans.

 

Cette année que de beaux hommages tels que Raul Ruiz, Leos Carax, Olivier Assayas.

De grands événements comme la nuit Johnnie To ou le ciné mix de Jeff Mills. Sans oublier le ciné-karaoké au 104 ou la Brocante du cinéma.

 

Encore une fois pari réussi, de nombreuses avant-premières, de nombreuses tables rondes et masterclass. C’est bien le festival de la rencontre !

 

Si vous avez manqué Cannes alors Paris vous à offert des petites séances de rattrapages comme avec le film d’ouverture « Holy Motors », les avants premières « La chasse » ou encore  » Renoir » ou même « Amour »,  » A perdre la raison », « Confession d’un enfant du siécle »  » Laurence Anyway » ou même  » The We and the I » sans parler du film en compétition « Beyond the hill ».

 

Le festival paris cinéma a rendu un grand hommage au cinéma Hongkongais  en présence de grandes personnalités tel que de Johnnie To ou bien encore Yuen Wo Ping.

 

Personnellement mes plus belles rencontres reste Denis Lavant, Leos Carax, Edgar Ramirez qui n’est pas désagréable à regarder de même pour Melvil Poupaud sans oublier Sam Ho critique et ancien programmateur de la Hong Kong Film Archive qui est un homme charmant, j’ai bien du mal à parler anglais mais baragouiner deux ou trois mots avec lui fut un plaisir.

 

Quand on voit la programmation et l’engouement de ce festival on se demande bien ce qu’il y aura l’année prochaine !

 

Alors restez attentif et à l’année prochaine !

 

http://www.pariscinema.org/

 

Hélène VAUTIER

Después de Lucía

Posted on by Clap 8 - Paris VIII Compte Général

Une histoire d’une réalité brute, une image des adolescents digne de « Lord of the Flies ». Visionner un film comme « Après Lucía » donne carrément l’impression d’avoir un « avant » et  « après » autour de cette expérience.

Le deuxième film mexicain qui a crée des discutions à Cannes s’est annoncé dans la sélection pour « Un certain regard ». Pourtant il reste à l’opposé de « Post Tenebras Lux », puisque les réactions ont été plutôt positives malgré le sujet qui ne semble pas du tout optimiste. Il s’agit donc du déménagement d’un père de famille et sa fille après la mort regrettable de la figure maternelle cachée, Lucía. Roberto et Alejandra, les deux personnages principaux semblent alors être dans un état particulièrement sensible,  lui ayant des crises de solitude pendant qu’elle, dans un pacte silencieux avec soi-même, refuse de discuter sa condition avec ses proches.

Une fois arrivée dans son nouveau lycée, Alejandra réussit bientôt se faire remarquée parmi les élèves les plus « populaires » de l’école. Dans un essai d’intégration, elle participe à une « house party » où elle fait l’erreur (pseudo-voulue) de se laisser filmée en faisant l’amour avec un garçon du groupe, José, la « propriété » d’une autre fille du groupe. Dans des circonstances inconnues la vidéo devient virale dans l’école et le vrai cauchemar s’installe dans la vie déjà troublée d’Alejandra. On retrouve la preuve de la méchanceté dans son état pure, collée à une frustration qui ne cessera pas que dans les 10 dernières minutes.

Un vrai système d‘ hommages se met alors en place : de la part de Roberto, le père qui, malgré être dans un sale état de dépression est toujours là pour soutenir sa fille ; plus marquant, de la part d’une jeune fille qui se laisse moquée dans les pires conditions pour soulager son père. Alejandra est exposée à des épreuves de torture pure cause de ses faux amis pour une erreur infantile. Cependant, elle ne semble jamais perdre sa candeur, sa fierté et sa dignité. On la voit toujours la plus proche de nous, métaphoriquement mais aussi physiquement dans un gros plan sublime (le seul, d’ailleurs), le reste des personnages se perdant dans l’énorme profondeur de champ choisie par Michel Franco.

Le film touche l’apogée lors d’un voyage de classe à  Veracruz où l’empathie pour Alejandra ne peut pas aller plus loin, et on est donc prêts de la quitter et la laisser chercher son indépendance. Chargé de la justice (un choix inattendu de soulagement par Franco qui desservit aussi le poste de scénariste) Roberto calme l’atmosphère  par une activité qu’autrement semblerait immorale.

Un goût amer n’est pas forcément associé à une expérience amère. On pourrait donc conclure que le mythe de Lucía sommes nous, les spectateurs. Franco nous met dans une position privilégiée qui mérite d’aller voir son film dans une salle de cinéma puisqu’on sortira sûrement avec « Un Certain Regard » dans la poche.

Courts métrages : nos coups de coeur

Posted on by Clap 8 - Paris VIII Compte Général

Comme nous l’avons déjà évoqué, le jury du festival a décidé de récompenser l’œuvre de L.Rezan Yesilbas pour son court-métrage Sessiz-be deng. Déception ? Oui, notre palmarès était tout autre !

Parmi les courts-métrages qui, selon nous, méritaient d’être récompensés :

 

YardBird de Michael Spiccia

Jusqu’ici réalisateur pour la publicité (notamment pour Publicis), Michael Spiccia se lance dans le cinéma et frappe un grand coup. Le rythme s’impose dès les premières images et l’immersion est instantanée. Au cœur du scénario, une jeune fille dont le prénom nous est tut, tout autant que sa voix, puisque aucun mot ne sortira de sa bouche au cours de ces 13 minutes. Son mutisme très parcimonieux renforce les traits tourmentés de ce personnage qui semble oppressé. Oppressée par la vie, oppressée par le personnage qui semble être son père, mais aussi oppressée par autre chose, quelque chose de supérieur et que nous percevons mal. Ce sixième sens, que semble posséder la fillette lui « offre » accès à la détresse des autres et l’empêche d’y rester indifférente. Mais comment pourrait-elle survivre à ce terrible et inhumain fardeau sans un appui, une force elle aussi surhumaine ? Un conseil, si son nez commence à saigner de façon impromptue, courez. Et vite.
Avec son rythme entraînant, ce court métrage nous tient en haleine du début à la fin et livre un spectacle charmant, notamment grâce à ses effets spéciaux particulièrement réussis. Bref, une reconversion réussie.

 

The Chair de Grainger David

Ce court-métrage, certains le détesteront à cause de la voix du jeune acteur Khari Lucas, qu’ils jugeront monotone tout au long du film, ou à cause d’une thématique reprise des grosses productions à l’américaine : une épidémie s’empare de la population et fait des ravages. Nous, on a adoré. The chair est original, poétique, et très esthétique. L’histoire progresse autour de la mort de la mère du jeune garçon, emporté par une moisissure empoisonnée, une épidémie dont on ne connaitra pas l’origine mais les conséquences sur la vie des gens. Et surtout, la souffrance silencieuse du garçon qui s’interroge sur la nature et sa suprématie sur l’homme, sur tout ce monde qui grouille sous terre et qui s’infiltre dans les corps humains. Les plans sont magnifiques, la voix platonique, à l’image d’un chaos inexplicable. La dernière scène : le fauteuil moisi brûle au bord de l’eau, devant le garçon et sa grand-mère qui espèrent que le geste symbolique anéantira l’épidémie. Enfin une production qui invite à l’humilité en imaginant l’épidémie à travers des yeux innocents, impuissants et non pas au travers de ceux qui parviendront à la combattre.

 

Chef de meute de Chloé Robichaud

Dans un tout autre style, le court métrage Chef de meute réalisé par Chloé Robichaud a su tirer son épingle du jeu. Préférant une trame humoristique à une thématique dramatique, ce film est une bouffée d’air frais, après une sélection traitant de sujets particulièrement durs. Trentenaire célibataire, Clara subit quotidiennement les moqueries de sa famille sur son statut de vieille fille. A la mort de sa tante, cette dernière se voit hériter du chien de la défunte. Le problème ? Clara, habituée à ne s’occuper que d’elle-même a du mal à supporter ce nouvel habitant qui vient chambouler sa vie. Dans ce film, qui joue sur l’opposition de ces personnages, la réalisatrice nous fait agréablement rire ! Les répliques fusent et les contextes familiaux nous rappellent des scènes quotidiennes de manière exagérée et décalée. Le tout est justement interprété, et l’accent québécois des acteurs, totalement irrésistible, participe au charme de ce joli court-métrage.

 

Josué, Aurélie  & Audrey

8h30 Chrono

Posted on by Josué

Il ne faut pas se faire d’illusions ! Ne vouez pas votre confiance absolue aux images que vous pourriez voir de ci de là et qui dresseraient un tableau à forte sémantique vacancière. Et bien non, figurez-vous qu’être festivaliers, ce n’est pas de tout repos.

Petit jeu de vrai ou faux pour savoir ce qui fait une vraie journée de festivalier.

[learn_more caption= »La Grasse Mat’ « ]

FAUX !

Chaque matin, il faut être connecté à 8h30 pour s’inscrire aux séances qui nécessitent une invitation. Pour cela 3 solutions :

1. Au palais du festival, connexion sur les bornes libre-accès.

Public : Levés à 7h pour être fins près à l’heure fatidique…Eux ils sont vraiment motivés.

2. Dans la salle du petit dej’ de l’hotel, connexion sur PC ou sur les applications mobiles.

Public : Les réveils respectifs s’échelonnent entre 7h30 et 8h28. A tendance un peu geek, ce public se lève plus ou moins tard selon son niveau sur l’échelle du geek.

3. Dans le lit, aucune connexion avec l’extérieur, finition des rêves et du capital sommeil.

Public : No stress, il reste les séances avec badges !  [/learn_more]

[learn_more caption= »Se coucher tôt « ]

FAUX !

Le couvre feu, ce n’est pas pour nous. Le retour au bercail pour le feuilleton du soir, encore moins. Habituellement, le pourtant bien mérité repos, se fait longuement désirer. A l’heure où le reste de la France se sustante de leur intellectuelle série de début de soirée, à Clap8, la part belle est faite à la douche, au smoking ou à la robe de soirée, au noeud papillon ou au maquillage en prévision de la projection de 22h30.
Montée des marches, projection, debriefing avec nos chers professeurs, after pour fêter le succès du film (ou oublier son existence, au choix), le programme est bien trop chargé pour envisager rejoindre les bras de Morphée avant 3h voire 4h du matin. Le tout, dans l’attente d’un réveil qui respecte les règles de la partie précédente, of course !
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[learn_more caption= »Plus de batterie  « ]

VRAI !

Il est évident qu’en bons étudiants d’InfoComm’, nous sommes équipés en tant que tels ! Nos smartphones en bons compagnons de poche, nous arrosons abondamment les réseaux sociaux de récits illustrés de nos aventures provençales au plus grand désespoir de nos « followers ». Inconvénient majeur : cette utilisation intensive provoque la fonte comme neige au soleil de la batterie de nos bijous de technologie. Du coup, pour éviter de devoir survivre de 18h à à 1h du matin sans téléphone, ce qui reviendrait à nous amputer de cette extension de cerveau, nous développons de nouvelles parades sur mesure. Première solution de base, recharger son téléphone toutes les nuits et ne le débrancher qu’en quittant la chambre. Seconde solution : toujours avoir son chargeur sur soi et squatter un café entre deux séances pour recharger. Solution d’ultime détresse : ETEINDRE son téléphone pendant les séances ! Mais ça c’est vraiment en cas de force majeure.
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[learn_more caption= »Prendre un verre avec les profs « ]

VRAI !

Il est minuit, Clap8 se laisse porter par la calme et délibérante foule pour quitter le Théâtre Louis Lumière. Mais le festival ne serait pas LE festival si le retour à la case hôtel était immédiat. Après tout, nous sommes à Cannes ! Alors l’objectif numéro un : retrouver nos profs qui nous attendent à la sortie pour aller savourer un Mojito au Grand Hôtel ou au Martinez en debriefant le film. Normal non ?
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Voilà, j’espère que vous voyez un peu mieux en quoi consistaient nos belles et sportives journées cannoises !

The Central Park Five : Wilding ?

Posted on by Clap 8 - Paris VIII Compte Général

 

.. Burns est bien évidemment passionné par les droits civils, et il attribue la condamnation du Central Park et l’hystérie entourant le crime, au racisme de la société systématique et généralisée

Auteur du monumental « The Civil war », le documentariste Ken Burns vient de réaliser avec sa fille Sarah Burns (auteur du livre de cette affaire) et David McMahon, « The Central Park five », relatant une terrible erreur d’affaire judiciaire situé à New York en 1989, qui a bouleversé toute l’Amérique à peine sortie du combat contre la ségrégation. La vie et l’entourage de plus précisément, cinq jeunes de 14 à 16 ans, vont être renversés. Réputé grâce à ses documentaires « La guerre civile » ou « La Guerre », l’Américain Ken Burns relate à travers ce film documentaire un combat inéquitable, celui qui oppose le système judiciaire américain à cinq jeunes adolescents noirs et hispaniques, accusés à tort du viol d’une joggeuse à Central Park en 1989, c’est alors que l’on comprend que Ken Burns a abordé en globalité, l’histoire des Etats-Unis sous l’angle de la « race ».  En deux heures denses, le réalisateur retrace les différentes étapes de cette effroyable erreur judiciaire. Les analyses ADN ont beau disculper les accusés les jeunes adolescents, ils seront tout de même condamnés et emprisonnés. Et même les aveux du véritable coupable, quelques années plus tard, ne suffiront pas à faire changer d’avis quelques journalistes aveuglés par leurs préjugés. De nombreux intervenants, des archives éclairantes, pas d’effet superflu : tel est le choix de Ken Burns, qui a co-réalisé ce The Central Park Five (présenté à Cannes en Séance spéciale : « Un certain regard »). Une sobriété du traitement qui n’empêche pas l’émotion. C’est le talent des bons documentaristes de savoir trouver le cinéma, de créer l’information dans le réel. Les réalisateurs ont bénéficiés des services de récits de chaque adolescents qui ont aujourd’hui la trentaine  et qui dessinent leur portraits extraordinairement précis d’eux-mêmes, qui évoquent aussi bien ce qu’était la vie d’un jeune d’Harlem.

Tant d’indignation dans le traitement de ces jeunes new-yorkais, en particulier lors du verdict de la justice, où je ne vous cacherai pas, ont coulé des larmes de colère.

 

 

Paradise Liebe – Ulrich Seidl

Posted on by Clap 8 - Paris VIII Compte Général

Ce n’est pas tant l’exotisme des décors que Teresa et ses amies viennent chercher lors de leurs vacances au Kenya que celui des hommes. Ulrich Seidl dénonce dans Paradise Liebe le commerce sexuel et les clichés ravageurs dont font preuve les occidentales entre deux âges qui viennent ici dans le seul but de s’offrir un peu de plaisir. Mais ça ne prends pas, la visée n’est pas affirmée et la litanie de stéréotypes racistes finit par lasser, de même que ces images continuelles de nudités, jeunes corps noirs bien faits contre chair blanches flasques. On se demande quel est l’intérêt de cette exhibition et quelle part réelle elle apporte au film. Le scénario est léger, la construction hasardeuse. C’est dommage car l’idée de montrer la réalité nue, la misère sociale, la solitude, l’angoisse des corps vieillissants, qu’on ne regarde plus, d’entendre la voix triste de ces femmes qui ne s’appartiennent plus et qui cherchent – au delà des caresses sur leurs rondeurs – un regard sur elles, qui les ferait exister – cette idée là est forte mais mal exploitée. On retient néanmoins quelques scènes : la délimitation sur la plage entre les clientes occidentales et la ligne immobile des vendeurs noirs qui attendent qu’elles franchissent la petite barrière pour les aborder, image évidente du fossé qui sépare ces deux univers si éloignés ; le rire éclatant de Inge Maux alias Teresa qui l’embellit soudain et laisse percer, un instant, la femme tendre derrière ses airs cynique de néocolonialiste assumée ; la mer, l’horizon, qui s’étendent et qu’on ne peut toucher, à l’image du sentiment que Térésa cherche à tout prix dans le lit des hommes noirs ; sentiment qu’elle ne trouve finalement jamais.

The Angels’ Share

Posted on by Lmiel

A Glasgow, Robbie, jeune père de famille est sans cesse rattrapé par son passé de délinquant, lorsqu’il croise la route d’Henri, éducateur dans le cadre de ses travaux d’intérêt général. Ce dernier initiera en secret Robbie et la petite bande de délinquants qui l’accompagne, à l’art du Whisky. Robbie se découvre alors un don. Va-t-il le transformer en arnaque ou en un avenir plein de promesses ?

Ken Loach revient avec une jolie comédie douce-amère, toujours soucieux d’exposer les réalités sociales. Il nous parle avec son humour anglais d’une jeunesse écossaise qui se cherche, se rebelle, et se trouve. Au travers d’un « Roi Arthur’ des temps modernes, en quête de son Saint Graal et entouré de ses chevaliers, Ken Loach réussit enfin à nous faire rire, au milieu d’une sélection cannoise assez dure. Et si The Angels’ Share restera un film mineure de sa filmographie, le réalisateur britannique remporte son pari d’aborder ce thème sensible avec légèreté et s’impose comme l’un des réalisateurs majeurs de Grande Bretagne. C’est en tout cas l’avis de Nanni Moretti et son équipe, qui décident de récompenser le film par le Prix du Jury. Cheers !